Заказать!

Inoutmag.ru 8-903-7982249 www.inoutmag.ru

Mикширование, пожалуй, самый ответственный этап при создании записей, лучшие из которых переживают своих авторов. При записи (которую теперь часто называют «трекингом») первичного аудиоматериала от музыкантов и продюсера иногда можно услышать фразу: «Исправим эту проблему при микшировании». К счастью, эта фраза уже становится историей — многие звукорежиссеры понимают, что если какая-то партия плохо звучит в многодорожечной сессии, то ее поправить при микшировании (сведении) будет нелегко. Если исправить ошибку при записи треков можно простой перезаписью неважно сыгранного фрагмента (особенно при записи живой музыки), то при микшировании придется потратить в несколько раз больше усилий для маскировки проблемы. Все цифровые чудеса — горизонтальное сдвигание неточных по времени нот, коррекция интонации автотюном и замена тембров — срабатывают лишь для отмирающего жанра «попсы», мы же с вами занимаемся настоящей Живой Музыкой. Микширование многодорожечной записи в стерео — это искусство. Поэтому в нем нет сугубо технологических приемов типа «если звучит так-то, надо сделать то-то». Каждое движение фейдерами (виртуальными или реальными) определяется прежде всего тем, что звучит из ваших мониторов, и тут главное правило: если запись звучит хорошо — так и оставь, ничего не трогай! Я лишь хочу добавить, что вам все-таки придется проверять: если фонограмма звучит хорошо из ваших мониторов, то будет ли она так же звучать и на разных аудиосистемах потенциальных покупателей вашей музыки? В любом случае, самое важное при микшировании — это послать некий «месседж» слушателю через музыку, с которой вы работаете. И каким бы этот «месседж» ни был — от самого возвышенного до самого приземленного, поверьте, он — самый главный компонент записи. Первое, что понадобится для успешного микширования — это хорошо записанная многодорожечная сессия. Если таковая имеется, то процесс сведения будет ровным, спокойным и безболезненным, если же нет, то всю творческую энергию придется потратить не на создание «послания потомкам», а на борьбу с банальным браком первичной записи. Наихудшая же ситуация, в которой можно оказаться, — когда просят смикшировать пьесу, которую кто-то до этого плохо записал. Я не раз бывал в таком положении и советую в него не попадать. Для исправления технических ошибок помогает автоматизация процесса микширования, но никто еще не изобрел ручки, вдыхающей энергию и жизнь в запись. Если первичная запись хорошая, то все равно придется несколько расстроить неискушенных коллег: нет точных рецептов, как должен делаться микс, так как единственный способ научиться микшировать успешно — это пройти тернистый путь проб и ошибок. Но все же есть несколько советов, которые помогут начинающему звукорежиссеру получить неплохой, а в будущем — хороший звук. Как делать отличный звук, не научат никакие академии — этому каждый учится в одиночку за пультом. Мой же любимый метод работы, лучше всего подходящий к музыке, которую я предпочитаю микшировать (рок- и поп-музыка), — сначала сконцентрировать усилия на получении максимального качества от каждого из треков многодорожечной сессии и лишь после этого объединять их в единое целое в соответствии с мастер-планом. Треки типичной многодорожечной сессии можно условно разделить на звучащие чересчур «тонко» и требующие определенного уплотнения, и излишне «мясистые», требующие «расчистки» спектра и конкретизации звучания. Есть, к счастью, и третья категория — треки, лишенные этих двух недостатков. Для начала перед микшированием стоит внимательно прослушать все треки будущей композиции (не приемлю слово «вещь», которым часто называют песню или инструментальную пьесу) и определить, к какой из категорий они относятся. Все это — часть творческого процесса, и, решив подобные проблемы, вы вдохнете в микшируемую музыку собственный индивидуальный стиль. Под категорию «тонких» звуков часто подпадают семплы драм-машин и необработанные звуки синтезаторов. Во времена доминирования синтезаторов DX-типа это было проблемой, но сегодня, когда даже небольшая студия имеет широкий набор программных и аппаратных средств обработки, «тощие» миксы не имеют права на существование. Уплотнение тонких звуков может быть сделано на любом этапе записи — будь то запись первичных дорожек или микширование. Один из лучших и проверенных методов, работающий до сих пор, — это воспроизвести звук через акустическую систему и снять его микрофоном. Считается, что эта технология хороша только для электрогитар, но она также эффективна для синтезированных звуков, семплов драм-машин и даже вокала, если вы ищете его оригинальное звучание. Даже в наше сверхтехнологичное время небольшой гитарный комбик (лучше ламповый), может сделать чудо с тощим и безжизненным звуком. При игре на бас-гитаре через такой комбик вы, конечно, не получите мощные низы из-за малого размера динамика, но в нашем случае съема микрофоном размер динамика не играет роли. Поместив микрофон поближе к диффузору, вы получите отличный низ. Этот сигнал также можно подмешивать к исходному необработанному сигналу. Одно из средств уплотнения звука — реверберация, но с ней важно не перебрать. С помощью реверберации можно добиться плотного звука пьесы, но при этом получить звук, записанный как будто в плавательном бассейне. Для уплотнения звука чаще всего используют короткую реверберацию с большим уровнем. Отлично подойдут программы типа early reflection (ранние отражения) и короткие гейтированные реверберации. «Хвосты» этих обработок практически не слышны — такая реверберация сливается с исходным сигналом, уплотняя его. Выходной сигнал ревербератора следует сделать монофоническим и спанорамировать его в ту же точку пространства, откуда исходит основной сигнал обрабатываемого инструмента. В наш век сурраунда подобная рекомендация может показаться старомодной, но такая методика стабильно срабатывает. Короткий монофонический отзвук «прирастает» к исходному сигналу, тогда как стереофоническая реверберация распределяется между левым и правым мониторами. Хорошими средствами уплотнения также являются компрессия, частотная коррекция и эффекты хорус и фленджер. Хорус, помимо уплотнения, создает иллюзию пространства и движения, но он задвигает источники в глубь воображаемой звуковой сцены, даже глубже, чем реверберация. Если необходимо выдвинуть вперед обработанный хорусом звук, попробуйте необработанный звук спанорамировать в одну сторону, а обработанный хорусом — в другую. Реверберация создает ощущение пространства, но при микшировании необходимо учитывать, что реверберация также имеет тенденцию «смазывать» локализацию первоначального звука по стереобазе — так, как это происходит в реальной жизни. Попробуйте определить направление прихода звука в церкви или в бассейне — ощущение такое, что все звуки приходят из-под купола строений! Теперь об излишне плотно звучащих треках. Молодые звукорежиссеры часто предпочитают поднимать зоны спектра, дающие уплотнение. Но стоит помнить, что эквалайзер также может использоваться для подавления мешающих, «замусоренных» частот — этот метод видится более эффективным. Каждый музыкальный инструмент имеет определенные характерные частоты, отвечающие за «энергетику» его звучания. Если эквалайзером значительно приподнять уровень этих частот, звук инструмента станет пародией на самого себя (подобным приемом пользуются карикатуристы, утрированно выделяя наиболее характерные черты своих персонажей). Подрезав характерные частоты, вы позволите зазвучать тем частям спектра инструмента, которые отвечают за прозрачность и разборчивость звука. Опять же, придется пройти путь проб и ошибок, чтобы понять, какой из этих методов работает на улучшение звучания микшируемой пьесы, а какой — нет. С помощью функции временной коррекции нот можно поправить неточно сыгранные, смещенные по времени ноты. Например, бас-гитарист чуть опередил удар по большому барабану. В современных секвенсорах делать это очень просто, а вот во времена линейного монтажа с помощью ножниц на аналоговой пленке это было проблемой. В те времена проблема с синхронностью баса и большого барабана решалась с помощью гейта, включенного в цепь бас-гитары. В управляющий канал гейта (side chain) подавался сигнал большого барабана, который управлял моментом появления звучания бас-гитары. Правда, при этом гейт «съедал» атаку баса, но это было все же лучше, чем двойные ноты. Теперь, когда мы привели треки сессии в относительный порядок, начнем выстраивать микс. Я практикую два основных метода сведения: метод «строительства здания» и метод «рисования картины», которые будут рассмотрены на примере типичной рок/поп-группы, состоящей из барабанов, баса, электрогитар, клавишных, сольного вокала и бэк-вокала. Также могут присутствовать перкуссия (бонги и др.) и небольшая медная духовая секция. Первый, более простой и распространенный метод — это построить микс, как дом: сначала создаем фундамент, на него ставим каркас из балок, ведем его вверх, после чего венчаем крышей и заканчиваем нашу «стройку» отделочными и декоративными работами. Мне кажется, аналогия достаточно точная. Фундаментом будут служить, скорее всего, барабаны и бас (хотя встречаются исключения — например гитарная баллада с поддержкой струнной группы. Характерный пример — пьеса «Yesterday» The Beatles). В ритмичных пьесах важно, чтобы ритм-секция была надежной опорой остальным инструментам. Я начинаю с того, что вывожу большой барабан до уровня, когда RMS-индикаторы пульта показывают -10 дБ от максимального уровня. Далее я балансирую малый барабан так, чтобы он комфортно гармонировал с большим барабаном. Последний чаще играет в сильную долю, тогда как малый барабан — в слабую, и образуемые этой парой «ритмические качели» должны создавать пульсирующее движение, пружину. Теперь добавляем басовую партию и остальные инструменты ударной установки (хай-хет, томы, тарелки). Я предпочитаю гейтировать хет (кроме джазовых пьес) — это позволяет в определенной мере очистить малый барабан от просачивания хай-хета. Гейтирование томов стало стандартным процессом сведения, но не стоит настраивать гейт на полный диапазон подавления. Во-первых, звук в этом случае может получиться щелкающим, во-вторых, небольшие проникновения между гейтируемыми звуками придают звучанию томов, хета и большого барабана большую натуральность. Вы также обнаружите, что гейт, настроенный на подавление в пределах 12 дБ, открывается быстрее, чем при настройке на полное подавление. На этом этапе следует убедиться, что основа фундамента цельная и монолитная — ни один удар или нота не ломает ритм. Тут снова могут потребоваться микрокоррекция во времени, чтобы бас и ударные превратились в некую единую «машину». Например, в рок-музыке малый барабан часто играет «с оттяжкой», что придает пьесе размашистость и упругость ритма. Если медь играет точно в долю, можно чуть подвинуть ее назад, и она может зазвучать «по-свинговому». Если все на этом этапе сделано верно, остальная часть работы превращается в легкую прогулку по нашему новому дому. Каркас микса обычно состоит из «пэдовых» (strings, choir) инструментов, формирующих гармоническую структуру пьесы. Панорамируем стереозвуки клавишных жестко влево или вправо и доводим их до уровня, когда заполняются «щели» между нотами баса — не тихо, но и не так, чтобы пэды отвлекали слушателя от басовой линии. Для недорогих моделей клавишных до того, как приступать к панорамированию, следует убедиться в отсутствии фазовых проблем формируемых ими звуков. Теперь вводим ритм-гитару, если таковая имеется. Если гитара с перегрузом (овердрайвом, дистошном), то ее спектр достаточно широк и имеет тенденцию растворять в себе клавишные и конкурировать с вокалом. Обычно я значительно подрезаю (до 9 дБ) высокие частоты у сильно перегруженных гитар (а такие встречаются все чаще и чаще) и выделяю область 800…1,2 кГц (+3…6 дБ). Если в пьесе задействованы две перегруженные гитары, лучше, чтобы их партии игрались через комбики разных производителей (например, Mesa/Boogie и Fender), в идеале и гитары должны быть разных марок. Далее полученную структуру можно увенчать соло-вокалом или солирующим инструментом (для инструментальной пьесы), которые находятся в центре микса. Иногда для комфортного помещения вокала (солиста) в микс в инструментале расчищают некую «частотную нишу» для него. Реверберация — полезное средство для вокала, позволяющее ему гармонично покоиться в общем миксе. Но излишняя реверберация отодвигает вокал в глубь сцены, а нам хотелось бы слышать голос на переднем фронте. Поэтому надо настроить время предзадержки (pre delay) на 60…100 мс и убедиться, что вокал находится на нужном месте в миксе. Реверберация — одно из наиболее важных и часто используемых в студии средств обработки, поэтому не стоит использовать низкокачественные программные плагины. Мало того, они значительно снижают производительность центрального процессора. Для обработки такого важного элемента микса, как вокал, используйте высококачественный аппаратный ревербератор либо высококачественный плагин, записав обработанный им вокал на отдельный трек. Не стоит обрабатывать длинными реверберациями басовые звуки, кроме случая получения особо оригинального звучания. Такие обработки вызывают бубнение в миксе. Если вы хотите добавить объема большому барабану, лучше опробуйте короткие алгоритмы типа ambience или гейтированную реверберацию. Если в определенном месте требуется обработать реверберацией все ударные, подрежьте низы в сигнале, подаваемом на ревербератор, -получится более прозрачный звук. «Декорациями» могут служить перкуссия (бонги, конги, маракасы, коубел, тамбурин и т. д.) и бэк-вокал. Тут реверберация необходима главным образом для заполнения «щелей» в музыкальной фактуре. Второй метод сведения фонограмм скорее подойдет звукорежиссерам с богатой фантазией, и его я называю методом «рисования картины». Представьте себе, что ваши контрольные мониторы — это окно в другой мир, где живут звуки, и вы рисуете объемную картину этого удивительного мира. В вашей картине каждый звук имеет свое место, цвет, яркость и даже траекторию. Первый шаг — по перечню дорожек надо определить местоположение каждого из инструментов. Место наиболее значимых инструментов (большой барабан, басовая партия, соло-вокал) — впереди и в центре микса, инструменты поддержки помещаем за ними немного в глубь сцены. Томы, пэды панорамируем по всей ширине стереобазы. Начертив план нашего «мира звуков», начинаем претворять его в жизнь. Можно панорамировать инструменты влево или вправо, но можно и двигать их вперед или вглубь. Для того чтобы поместить инструмент в глубину сцены, следует сделать следующее: • уменьшить уровень его сигнала; • подрезать на нем высокие и низкие частоты; • добавить реверберацию. Очень нелегко заставить источник звука погрузиться в микс на требуемую глубину и занять соответствующий звуковой план. Также движение вглубь либо вперед можно производить с помощью эксайтеров и даже… компрессоров (этот эффект я обнаружил у Teletronix LA-2A). Сегодня стало модным «сажать» сольный вокал прямо перед лицом слушателя. Миксы, построенные по этим двум принципам, имеют свое характерное звучание. Так, миксы, сведенные по методу «строительства», имеют прозрачное и пышное звучание, тогда как миксы, созданные по принципу «живописи», звучат натурально, органически и «оркестрово». Привнесение элемента случайности в музыку может дать неожиданный и творческий результат. Поэтому есть третий, альтернативный метод микширования — поставить фейдеры дорожек в случайные положения и критически прослушать полученный результат! B первой части статьи обсуждались вопросы исправления первичных треков, выбора приборов обработки и, главное, определения генеральной стратегии микширования. Теперь самое время обобщить все этапы микширования, начиная с того, как звукорежиссер должен слушать микшируемую музыку, и заканчивая взаимоотношениями с продюсером и музыкантами. (А в следующий раз мы рассмотрим основы мастеринга и требования к сведенной фонограмме, представляемой заказчику, который, скорее всего, передаст ее заводу, выпускающему CD). Итак, продолжим исследование вопроса — что мы называем хорошим миксом? Отдельные сигналы, из которых формируется микс, лучше складываются в цельную фактуру, если их изначально очистить от неинформативных частот (я называю этот процесс «первичной формовкой»). Например, в большинстве вокальных партий ниже 80…100 Гц ничего нет, если, конечно, ваш вокалист — не бас-профундо. Поэтому нерационально держать эквалайзер в цепи вокальной дорожки открытым вплоть до 20 Гц: в конечную фонограмму пролезут низкочастотные «плевки» от дыхания вокалиста и топот ног. Пользуйтесь обрезными НЧ- и ВЧ-фильтрами, а также ослабляйте частоты, которые в принципе отсутствуют в спектрах микшируемых музыкальных инструментов. Для этого стоит освежить в памяти знания об этих спектрах. Например, в звуке неперегруженной электрогитары частоты выше 4…5 кГц являются неинформативными, скрипки — ниже 200 Гц, малого барабана — ниже 100 Гц и т.д. Одна из главных операций, выполняемых звукорежиссером при микшировании, — установка уровней фейдеров для получения хорошего баланса фонограммы. Естественно, баланс — дело вкуса продюсера, но и тут существует несколько простых трюков, значительно облегчающих жизнь звукорежиссера. Первое, что следует сделать, — это прослушать грубо сбалансированный микс на предмет выявления частей в пьесе, которые можно смикшировать без изменения уровней фейдеров. Ясно, что чем длиннее такие участки, тем лучше. Как ни странно, эти фрагменты могут содержать важнейшие элементы — вокал, сольный инструментал и «хуки». Следует собрать в подгруппы логические части микса — барабаны, бэк-вокалы, пэды. Благодаря этому можно управлять уровнями сгруппированных элементов одним-двумя фейдерами. Это позволит точнее и легче сбалансировать микс. Выстраивая микс, постарайтесь еще до этапа добавления эффектов заставить фонограмму звучать максимально близко к желаемому результату. После этого, если необходимо, можно скомпрессировать вокал и обработать его небольшим количеством реверберации. При этом он должен комфортно «опереться» на инструментальное сопровождение. По большому счету, эффекты нужны лишь для придания миксу конечного лоска — они не должны использоваться для компенсации проблем плохого баланса звуков или «лечения» неточно наигранных партий. Продолжая тему использования эффектов, советую удерживать себя от соблазна подправить плохую игру музыкантов «букетом» эффектов — это никогда не срабатывает! Например, с помощью реверберации можно поместить источники звука в различные точки пространства. Но если партии наиграны неритмично, то эффекты лишь «размажут» эти неритмичные источники, а проблемы по-прежнему останутся. Микшируя разнородные звуковые фактуры в общий микс, иногда трудно заставить их слиться в единую фактуру, особенно это касается синтезированных звуков. Можно получить множество инструментов, играющих одновременно, но не слитно. Один из путей интеграции таких звуков — это наложить один общий эффект в разной пропорции на различные элементы микса. Первой приходит на ум реверберация, и мы не оригинальны в таком подходе — многие гениальные записи 70-80-х собраны именно таким способом. Старайтесь не панорамировать басовые звуки микса в различные стороны стереокартины, так как они являются высокоэнергетичными и нуждаются в равномерном распределении между левым и правым динамиками. Басовые звуки содержат минимум пространственной информации, но они содержат ВЧ-гармоники, которые могут звучать более направленно. По ходу пьесы не стоит менять уровень ударных и баса без особой необходимости, так как ритм-секция традиционно служит фоном, на котором звучат остальные музыкальные инструменты. Внутри ритм-секции должна доминировать ее естественная динамика, и не стоит создавать искусственную динамику с помощью фейдеров. В загруженных миксах определенные инструменты, например овердрайв-гитары и синтезаторные пэды, можно обрабатывать дакером. Управляющим сигналом для дакера должен быть сольный вокал. Таким способом для этих источников можно «расчищать» микс: при появлении вокала уровень инструментов, звучащих в среднечастотной части спектра, понижается на 2…3 дБ. Даже минимальная обработка дакером улучшает прозрачность песни, и ее текст становится удивительно «читабельным»! Дакер может быть на основе компрессора или гейта: используется быстрое время атаки, а время отпускания устанавливается по слуху. Короткое время отпускания может привести в слышимой накачке звука, но рок-музыке это лишь придает дополнительный драйв. Но не увлекайтесь обработкой энхансерами общего микса! Когда-то в попытках улучшить звучание фонограмм я с помощью dbx 120XP просто испортил готовый альбом! Кнопка bypass на энхансере — лучший контролер в этом процессе, она точно покажет, насколько радикально энхансер меняет звук и полезно ли его действие. По моему мнению, многие из подобных «улучшайзеров» проваливают средние частоты; они — своеобразный «костыль» для тех звукорежиссеров, которые не могут точно выстроить баланс по средним частотам. Гораздо полезнее обработать энхансером отдельные элементы микса, — например, вокалы, акустические гитары, семплы акустических инструментов. Основная задача тут — выдвинуть главные звуки микса на передний план. Для этого стоит включить энхансер в инсерт в подгруппу, на которую следует направить соответствующие элементы микса. Тщательно прослушайте обрабатываемый таким способом вокал, так как энхансер имеет особенность подчеркивать в них шипящие согласные (сибилянты). При микшировании вокала звукорежиссеру важно помнить, что многократное прослушивание песни ведет к тому, что восприятие текста притупляется. Слушатель же будет слушать эту песню гораздо реже, поэтому при микшировании легко попасть в типичную ловушку и «просадить» вокалы — ведь вы уже четко слышите песню внутренним слухом. Проваленный вокал рядовой слушатель заметит при первом же прослушивании, хотя одна из целей опытных продюсеров — заставить прислушаться к тексту песни, сделав вокал чуть тише. Степень этого «чуть-чуть» — секрет за семью печатями опытных продюсеров и звукорежиссеров. Алгоритмы эффектов, разработанные для расширения стереобазы микшируемой фонограммы, могут привести к ее плохой моносовместимости. Пользуйтесь кнопкой mono для проверки потерь аудиоинформации. Наиболее простой вариант расширить стереобазу — сформировать противофазный сигнал из обрабатываемого звука и спанорамировать прямой и обработанный сигналы в противоположные точки пространства микса. Моносовместимость важна для случаев, когда фонограмма транслируется по телевидению и радиостанциями в монорежиме. Также большинство FM-приемников при слабом сигнале радиостанции автоматически переходят в монорежим. Моносовместимость следует проверять по изменению амплитудного и/или тембрового баланса фонограммы: если слышны заметные изменения, надо уменьшить величину расширения стереобазы главных элементов микса и обрабатывать лишь второстепенные элементы: перкуссию, звуковые эффекты, возвраты обработок. Назначение эквалайзеров — подавление проблемных частот. Кто-нибудь задавал себе вопрос, почему именно уменьшение лучше? Все дело в том, что слух человека менее чувствителен к понижению уровней, чем к подъемам спектральных составляющих. Это особенно актуально при использовании малобюджетных моделей EQ. Без точного звукового контроля хорошо свести фонограмму не удастся. Что такое «точный контроль»? Это вопрос вопросов, и тут сломано немало копий. Мониторы и студийные помещения для получения объективной звуковой картины должны соответствовать определенным требованиям. Требования эти часто несовместимы, но главные из них: • улучшать звучание музыкальных инструментов (в тон-ателье) и таким образом способствовать повышению творческого начала в игре музыкантов; • давать звукорежиссеру объективную информацию о том, что реально записывается. Как мы видим, оба требования существенны и важны, но часто являются взаимоисключающими. Лучшие студии мира всегда стремились приобрести самые большие и мощные мониторы, которые только мог осилить бюджет студии. Такие мониторы работали в дальнем поле, их точность воспроизведения значительно варьировалась, но одним из главных критериев выбора было их высокое звуковое давление. Демонстрация фонограммы заказчику на большой громкости была и остается одним из необходимых условий работы успешной студии. Сегодняшняя тенденция использования в студиях небольших мониторов стала доминирующей. Лично я считаю, что пока не существует малогабаритных мониторов, качество звучания которых сравнимо с большими мониторами дальнего поля (под термином «качество звучания» я подразумеваю быстрые переходные характеристики, низкий коэффициент нелинейных искажений, широкую полосу воспроизводимых частот вплоть до 25…30 Гц без использования дополнительных субвуферов и т.д.). Без сомнения, существуют отличные малые мониторы, но они предназначены скорее для проверки звучания готовой сведенной фонограммы, чем для ее «сборки». К сожалению, законы физики дают неоспоримые преимущества их большим собратьям. Не следует контролировать звук длительное время на максимальной мощности! Контроль с высоким уровнем дает слушателю дополнительный эмоциональный толчок, но конечный потребитель не будет постоянно слушать компакт-диск на запредельной громкости. Сначала большая громкость временно смещает звуковые ощущения звукорежиссера, далее могут наступить необратимые изменения. Полезно лишь кратковременно проверять микс на большой громкости. Но забудьте об этом правиле, если вы микшируете музыку для танц-клубов! Мониторы ближнего поля предназначены для имитации звучания фонограммы на малогабаритных бумбоксах, автомобильных плеерах и домашних аудиосистемах. Но что делать, если студия не имеет средств на приобретение больших мониторов и не может арендовать помещение соответствующего объема? Работать на малых мониторах! Увы, главная проблема малогабаритных акустических систем — это невозможность полностью воспроизводить низкие частоты. Конечно, иногда небольшие акустические системы звучат достаточно «мясисто», но стоит сравнить их с широкоформатными мониторами, и сразу станет понятно, сколько низкочастотной информации теряется. Поэтому следует трижды подумать, поднимая при микшировании по требованию заказчика уровень частот ниже 100 Гц. Главный соблазн при работе на малогабаритных мониторах заключается в следующем: если студийные мониторы не выдают достаточно низа, неопытный звукорежиссер пытается скомпенсировать эту недостачу «накручиванием» ручек НЧ. Мне постоянно приходится сталкиваться с завышенным уровнем низких частот в фонограммах (особенно танцевальных), сделанных в домашних студиях. При воспроизведении такого материала через большие концертные системы иногда приходилось подрезать басы на 6…9 дБ! Добавление низа также приводит к тому, что диффузоры небольших (6…8") вуферов малых мониторов работают с максимальными амплитудами. Учитывая, что большинство таких АС имеют двухполосную конструкцию с частотой раздела 2,5…4 кГц, звукорежиссер получает неверную информацию и о среднечастотной области фонограммы, а это уже не скомпенсировать простой подрезкой низов на концерте. Время от времени надо проверять микшируемую фонограмму в наушниках — они позволят услышать тихие помехи типа щелчков и низкоуровневых искажений, которые плохо слышны в мониторах. Но микшировать только в наушниках нельзя ни в коем случае, так как они формируют неверную стереокартину и непредсказуемы при выстраивании нижнего края спектра фонограммы. Микшировать для собственного удовольствия — это то, чего профессиональный студийный звукорежиссер позволить себе не может. Он может добавлять эффекты так, как считает нужным, строить баланс по собственному вкусу, но при этом нельзя забывать, что конечные рекомендации исходят от продюсера или другого заказчика фонограммы. Если его и ваши вкусы совпадают — вы получите удовольствие от процесса микширования, если нет — готовьтесь к тяжелой рутинной работе. Я считаю, что в небольших студиях, достаточно часто записывающих любителей и полупрофессионалов, звукорежиссер фактически выступает сопродюсером записи. В таких ситуациях маловероятно, что член группы, назвавшийся продюсером альбома, имеет такую же высокую квалификацию в области сведения фонограмм, как студийный звукорежиссер. Проблема легко решается налаживанием творческих и психологических контактов между участниками записи и сведения. Тут знания из области дипломатии и психологии выходят на первый план — очень сложно стать профессиональным звукорежиссером без них. Опытный звукорежиссер всегда даст возможность артисту, группе и продюсеру ощутить, что творческое начало при записи и микшировании исходило именно от них, а звукорежиссер лишь быстро и точно формировал звук по их инструкциям… Это опять же психология, такт и дипломатия. Ночной кошмар для любого звукорежиссера — это когда группа в полном составе является на микширование, чтобы советовать и комментировать, забывая, что работа музыкантов заканчивается после записи последней партии в студии. Теперь должны работать продюсер и звукорежиссер, ибо в конечном миксе вокалист, естественно, захочет слышать больше вокала, соло-гитарист — погромче свою гитару, барабанщик — ударные, басист решит, что маловато баса, и т.д. Смешного, но никогда никто из музыкантов во время сведения не попросил меня сделать тише свою партию! Однажды для группы, состоящей из пяти музыкантов, я сделал шесть (!) миксов — в соответствии с требованиями каждого из членов группы (естественно, за их деньги). Шестой микс я сделал, аккумулировав общие пожелания музыкантов. Все фонограммы были отданы музыкантам и продюсеру, и, как ни странно (или логично), они выбрали мою версию. Человеческий слух — странная вещь. Мало того, что наши уши сами по себе выглядят достаточно комично, им иногда свойственно «слышать» то, чего на самом деле не происходит. Однажды я микшировал группу, и гитарист попросил сделать его гитару чуть поярче. Хотя я считал, что гитара в миксе звучит так, как требуется, тем не менее (учитывая, что гитарист оплачивал запись), я взялся за регулятор высоких частот и решил чуть подчеркнуть их, рассчитывая незаметно вернуть все на место перед финальным сбросом фонограммы в мастер-рекордер. «Так?» — спросил я. «Еще чуть-чуть»,- ответил гитарист. Боковым зрением я видел, что он внимательно следит за моими действиями. Когда гитара стала колючей и острой как бритва, гитарист остановился. Мы оба слышали подъем верхов на гитаре! Позже об этом случае я не говорил гитаристу, но тогда я ошибочно взялся за потенциометр соседнего, незадействованного канала микшера! То есть я вообще не менял тембра гитары, но мы оба слышали подъем по верхам! Мы ожидали услышать этот подъем, и мы его услышали. Не думайте, что ваш слух в любом состоянии говорит вам правду, — перед микшированием дайте ему хорошо отдохнуть. Время от времени сравнивайте звучание вашего микса с лучшими работами известных продюсеров, причем на одних и тех же мониторах. Особенно это важно при пользовании энхансером — слух легко привыкает к его звучанию и перестает замечать переобработанные миксы. И под конец — еще один совет. Всегда архивируйте компоненты микса, то есть треки сессии. Возможно, когда-нибудь вам придется сесть за новое сведение, может быть, в многоканальном формате… Микширование — процесс творческий. Но не забудьте главное: вы должны управлять этим процессом, вы должны управлять оборудованием, — но не наоборот! Приборы никогда не должны навязывать вам свое звучание! Еще раз о запись вокала Валерий Папченко Момент, когда вокал уже зафиксирован на хард-диске или ленте, означает, что пройдено лишь полпути до рождения очередного хита. В этой статье я постараюсь не мешать вашему продвижению в чартах хит-парадов, а лишь кое-что посоветовать при выполнении важнейшей обязанности студийного звукорежиссера - записи вокала, чтобы вы обошли те "аудиограбли", на которые я в свое время не раз наступал. Подавляющее большинство музыки в проджект-студиях сегодня создается на основе MIDI-технологий, но записывать вокалиста придется с помощью самого консервативного звена современной студии - микрофона. Вокальная партия - основа любой песни, поэтому звучание вокального трека должно быть идеальным. Человеческий голос - настолько натуральный и природный звук, с которым мы все подсознательно знакомы, что любые недостатки в его звучании моментально становятся заметны слушателю. К счастью, если вокалист поет стройно, а его манера исполнения соответствует характеру песни, то качественная запись вокала не создаст особых проблем, нужно лишь внимательно прочитать эту статью и на первых порах следовать изложенным ниже базовым советам. А позже вы обязательно разработаете свои собственные методики записи вокала. Для начала убедитесь, что вокалист хорошо разучил записываемую песню. Очень важно, чтобы певец или певица находились в хорошей физической форме и на них не оказывалось психологическое давление: в студии должна быть спокойная, располагающая к творчеству обстановка, и в этом роль звукорежиссера неоценима. Не менее важно, чтобы пресловутый фактор времени не загонял в цейтнот участников записи. Большинство певцов достигает лучших результатов, располагаясь прямо перед микрофоном, в комнате с комфортной температурой. Если артиста отвлекают посторонние лица, выпроводите их, оставив лишь его продюсера - если это необходимо. Относительно "допинга" для вокалиста перед записью, то на конференции proSound была целая дискуссия по этому поводу. И большинство высказалось против. И я лично также его не рекомендую. Хороший мониторный микс - реальная предпосылка качественного исполнения. Тщательно отстройте мониторный микс в наушниках у вокалиста, и, если он пожелает, можно подать ему немного реверберации для уверенного пения. Лично я не сторонник такой методики, так как с реверберацией голос в наушниках звучит краше, чем он есть на самом деле, из-за чего вокалисты менее склонны следить за своей артикуляцией, строем и манерой исполнения. Кстати, большинство профессиональных певцов предпочитают контролировать себя в наушниках сухо, без реверберации. Если имеется возможность оборудовать рабочие места музыкантов раздельной системой подзвучки (это нетрудно сделать с помощью специального усилителя для наушников) так, чтобы они сами могли индивидуально регулировать свое звучание, то это - идеальный вариант решения вопроса. Лично я редко встречал музыкантов, полностью удовлетворенных подаваемыми звукорежиссером мониторными миксами. Некоторым вокалистам трудно контролировать свое пение в наушниках. Действительно непривычно, когда собственный голос звучит внутри головы. Для таких случаев существует необычный и редко применяемый в студиях метод мониторинга: музыкальное сопровождение подается на два студийных монитора, установленных симметрично в тон-ателье перед вокалистом. Тут главная особенность - противофазное включение этих мониторов между собой. Но сначала потребуется настроить систему, для чего нужно проделать следующее: подать фонограмму в подзвучивающие мониторы и установить комфортную громкость прослушивания; установить микрофон симметрично между мониторами и зафиксировать его положение, удобное для вокалиста. Далее, изменяя громкость одного из мониторов и контролируя уже по студийным мониторам остаточный сигнал, получаемый от этого микрофона, добиться минимального просачивания музыкального сопровождения в него. Голос вокалиста при записи в мониторы не подается - он поет без наушников. Система готова к работе. Две вещи, которые нельзя менять после настройки - это положение микрофона и громкость одного из мониторов, так как в этом случае увеличится остаточное просачивание фонограммы в вокальный трек. При записи вокала всегда стоит использовать ветрозащитный экран (поп-фильтр). Его отсутствие приводит к появлению в вокальном треке неприятно стреляющих "п" и "б", с которыми практически невозможно бороться во время микширования. Простая конструкция в виде нескольких слоев капрона на проволочной рамке резко снизит шансы появления в вокальном треке воздушных "саунд бластеров". Широко используемые в концертной практике поролоновые ветрозащиты в студии малоэффективны. Пользуйтесь качественными микрофонами. Сентенция "купил дешевый прибор - получил дешевый звук" сегодня особо актуальна: в продаже появилось множество малобюджетных микрофонов сомнительного происхождения. Цена приличного конденсаторного широкомембранного микрофона - от 350$. В профессиональных студиях для вокала применяются дорогие конденсаторные модели (общепризнанные короли студийного вокала - AKG C12 и Neumann U87), но в проджект-студии хороших результатов можно добиться и на менее дорогих электретных, а иногда даже динамических микрофонах. Подберите певцу микрофон, лучше всего подходящий его голосу. Вокалисты с очень ярким тембром могут звучать плотнее в динамический микрофон, например, даже в Shure SM58. (Кстати, много вокальных партий в альбоме Bad Майкл Джексон напел в динамический Shure SM7). Некоторым вокалистам, наоборот, нужен "мерцающий" на высоких частотах звук - таким лучше подойдут конденсаторные или электретные модели. Если есть несколько микрофонов, проведите пробную запись вокала: разные микрофоны запишите одновременно на несколько треков. При прослушивании сразу станет понятно, какой из них лучше всего соответствует голосу данного певца. Если же нейтральная передача голоса не входит в ваши творческие задачи, и стоит цель получить звучание "с характером", опробуйте все доступные микрофоны. Добиться модного нынче звучания голоса в стиле Lo-Fi легче всего на микрофоне такого же качества! Правильно пользуйтесь типами направленности микрофонов. В большинстве небольших студий чаще всего применяют микрофоны с кардиоидными (односторонненаправленными) характеристиками благодаря их способности игнорировать нежелательные отражения звуковых волн от стен комнаты записи. Я же рекомендую опробовать для вокала ненаправленные (круговые) микрофоны, которые звучат более натурально и менее окрашенно по сравнению с кардиоидными, особенно если голос имеет тенденцию звучать в нос. Поместите круговой микрофон чуть ближе к вокалисту, и вы получите такое же отношение прямого и отраженного сигнала, но при лучшем общем качестве звучания. Выбор верного расстояния от микрофона до вокалиста - предпосылка хорошей записи. Если расстояние слишком мало, то, кроме "стреляющих" согласных, можно еще столкнуться с заметными колебаниями уровня сигнала каждый раз, когда вокалист будет смещаться - не может же он простоять по стойке "смирно" всю вокальную сессию! С другой стороны, если певец находится слишком далеко от микрофона, вы получите много отзвука комнаты и, как следствие, окрашенность и "коробчатость" звучания. Начните с расстояния 15…25 см. Наилучшее положение вокального микрофона в студии - "сверху вниз", а поместить его надо на высокой тяжелой стойке. Преимущества такого метода очевидны: микрофон не закрывает пюпитр с текстом, а вокалист может во время пения свободно двигать руками, способствуя экспрессии исполнения (вспомните руки Джо Кокера!). Если комната записи не имеет специальной акустической обработки, постарайтесь минимизировать ее влияние на звучание вокала. Микрофон воспринимает не только прямой звук вокалиста, но и отражения, которые не всегда "дружат" с вокалом. Влияние комнаты можно уменьшить, располагая микрофон подальше от стен и студийного окна, а ширмы-экраны - сзади и по бокам от певца. Простейший вертикальный звукоизолирующий экран можно изготовить из чертежных досок на основе реечной плиты и металлических уголков. Одну сторону экрана следует сделать поглощающей, например, покрыть ковролином, другую - звукоотражающей (линолеум). При записи экран располагайте за спиной вокалиста и направляйте к нему поглощающей стороной, а отражающей к задней стене. Правильное пользование микрофоном позволит легче контролировать уровни сигнала: предложите певцу во время исполнения громких нот смещаться чуть назад - это заметно снизит риск перегрузки предусилителя записи, и вам не понадобится применять компрессию для подравнивания отдельных фраз. Опытные певцы умеют контролировать свою громкость, наклоняясь к микрофону во время исполнения тихих, интимных фраз, используя "эффект близости" для придания голосу бархатистости и плотности. Чтобы начинающий вокалист не приближался к микрофону чересчур близко, рекомендую размещать ветрозащиту не ближе 7…10 см от микрофона. В студии во время записи микрофон всегда должен располагаться на стойке. Стоит дать микрофон певцу в руки, как в сигнале тут же появится множество шумов от рук, дыхания и скрипа микрофонного кабеля. Если же микрофон все-таки находится в руке певца, например, при записи живого концерта, включайте обрезные фильтры. Главное - проследите, чтобы вокалист не закрывал ладонью заднюю часть сетчатой корзинки направленного микрофона - это резко изменит его направленность и тональный баланс. Во время вокальной сессии всегда старайтесь добиться от певца наилучшего исполнения. К сожалению, достичь этого с одного дубля практически невозможно. При наличии большого числа дорожек записи (с развитием хард-дисковых систем это стало нормой) предложите певцу напеть несколько дублей, а далее с помощью монтажа соберите окончательную партию из лучших фрагментов. Всегда отмечайте лучшие фразы сразу после контрольного прослушивания во время сессии, и обязательно в присутствии певца или продюсера. При записи на аналоговый магнитофон с его ограниченным числом треков, лучшие вокальные дубли обычно получают путем многократных вписок, работая над неудавшимися фразами, после чего фрагменты удачных дублей собирают на свободную дорожку. Вот классический метод записи бэк-вокала по методике студии Motown: несколько бэк-вокалистов, располагаясь друг против друга, одновремен-но поют в один двусторонненаправленный микрофон ("восьмерка"). Оси направленности должны быть ориентированы на вокалистов. Данный метод применяется для записи именно бэк-вокалов, которые звучат насыщеннее и красочнее, если их поют приглашенные бэк-вокалисты, а не исполнитель сольной партии. Мягкая компрессия вокала во время записи может облегчить жизнь звукорежиссеру, иначе голос может "раствориться" в плотно аранжированном поп-миксе. При записи вокала лучше сразу использовать компрессоры. Условно, по характеру звучания, их можно разделить на два типа: окрашивающие и нейтральные. Применение каждого из них зависит от характера звука, к которому вы стремитесь. Например, для рок-вокала скорее подходит первый тип, с его жесткой подачей и окраской (компрессоры dbx), тогда как для классических и джазовых вокалов - нейтрально звучащие (BSS, Focusrite). Не стоит включать гейт на вокал во время записи. Неточно настроенный гейт однозначно испортит отличный дубль, поэтому оставьте его использование для этапа микширования, если это понадобится. Коммутируйте гейт до компрессора, а порог выбирайте таким, чтобы дыхание между словами не "откусывалось" гейтом. Дыхание - составная часть экспрессивного исполнения, и без него вокал звучит безжизненно и стерильно. Не бойтесь глубоко компрессировать вокал при микшировании. Когда вокал записан, опробуйте и мягкий, и жесткий тип компрессии: постарайтесь услышать различия в их воздействии на звук. Выясните, какой ее тип лучше "заряжает энергетикой" вокальный трек. При глубокой компрессии может потребоваться предварительно включить гейт на вокал. Эта операция уменьшит "накачку шума" в паузах. Компрессия вокала может придать ему удивительную плотность, напористость и способность "прорезать" микс. Все компрессоры обладают своим характером: одни вялые, другие агрессивные и "щелкающие", работу третьих вообще не слышно, хотя вокал значительно выравнивается. Безудержное пользование эквалайзером - признак дурного вкуса! Надо учесть, что большинство эквалайзеров недорогих пультов звучат сносно лишь при их очень умеренном использовании, и то, скорее, лишь при обрезке проблемных частот. Среднечастотный же подъем может привести к появлению носового и "фейзерного" звучания голоса. При правильном выборе типа микрофона и тщательном поиске его положения эквалайзер на сведении почти не понадобится. Проконтролируйте, чтобы при записи вокала эквалайзер всегда находился в выключенном поло-жении! (НЧ-обрезка не в счет, это обрезные фильтры, а не эквалайзеры). Конечно, есть моменты, когда эквалайзер используется в креативных целях. Тут разница в качестве звучания бюджетного пультового и отдельного рэкового эквалайзера разительна. Если вокальная партия тонет в плотной аранжировке, попробуйте обработать голос эксайтером, который, как правило, включается в разрывы линеек микшера (эксайтер - эффект последовательного типа). При этом может отпасть необходимость в компрессии вокального трека - общая компрессия всего микса отлично сделает свое дело. Тут, как и с любым эффектом, важно не переборщить: умеренное пользование выразительными средствами - признак хорошего вкуса и профессионализма. Также не злоупотребляйте реверберацией: голосам, записанным в заглушенных помещениях, она нужна исключительно для придания ощущения пространства и реальности, но не более, чем того требует пьеса. Общее правило для реверберации: быстрые песни, нагруженные текстом, требуют небольшого ее количества, тогда как медленные баллады лишь выиграют от ощущения пространства. Прослушайте произведения известных продюсеров, работающих в близком вам стиле - вы поймете, какое количество реверберации необходимо песне. Если записанный вокал звучит чрезмерно ярко, с повышенным уровнем высоких частот, то добавление реверберации может проявить в нем сибилянты. Вместо того, чтобы применять де-эссер на вокальном треке (он иногда звучит очень неестественно), попробуйте обработать де-эссером сигнал, подаваемый на ревербератор. Для борьбы с шипящими согласными поэкспериментируйте также с типом и тембром реверберации. Самодельный де-эссер из эквалайзера, включенного в side-chain компрессора, звучит с побочными эффектами. Качественно работает де-эссер производства SPL, использующий фазовый, а не амплитудный принцип вычитания сибилянтов. Но лучше всего бороться с ними еще на этапе записи вокала, располагая микрофон чуть выше или ниже губ вокалиста. При обработке вокала эффектами эха и задержки соотносите время их повтора с темпом песни: для этого большинство современных ревербераторов содержат опцию tap delay. Чаще всего применяется задержка в четвертную ноту, но оригинально звучащую триольную россыпь вручную не набьешь, и их придется рассчитать по темпу пьесы. "Целотемповые" задержки иногда звучат чересчур навязчиво, поэтому опробуйте многоотводные дилеи с некратными временными интервалами между задержанными сигналами. Убедитесь, что вокал смикширован с нужным уровнем. Британский метод проверки количества вокала заключается в прослушивании песни из соседней комнаты (двери должны быть открыты). Слова должны пониматься без напряжения, тогда как проваленный вокал утонет в аранжировке. А теперь - за пульт, ведь "нам песня строить и жить помогает". Мы же с вами призваны помочь вокалисту!